Banyak gambar lanskap besar diciptakan sebagai studi persiapan, latihan pendidikan, atau jurnal informasi dan bukan sebagai karya seni yang sudah jadi. Kita sekarang dapat mempelajari gambar-gambar grafik yang dibuat bebas untuk bukti esensi menggambar, ide, dan prosedur yang dikembangkan oleh para seniman ini.
oleh M. Stephen Doherty
Adegan Pastoral Dengan Tokoh Klasik oleh Claude Gellée (disebut Claude Lorrain), ca. 1640–1645, pena dan tinta cokelat serta kuas dengan sapuan cokelat dan abu-abu di atas grafit pada kertas krim, 7 9/16 x 10 ?. Koleksi Museum Seni Cleveland, Cleveland, Ohio. |
Pemandangan Acqua Acetosa oleh Claude Gellée (disebut Claude Lorrain), ca. 1645, pena dan tinta cokelat dan kuas dengan sapuan warna cokelat dan abu-abu di atas kertas pelapis krim, 10 3/16 x 15 15/16. Koleksi Museum Seni Cleveland, Cleveland, Ohio. |
Sejarah seni sering disatukan dari sisa bukti dan spekulasi murni, dan gambar seringkali merupakan sumber daya paling berharga dalam melakukan penyelidikan semacam itu. Ketika seseorang menemukan lusinan studi individu untuk sebuah lukisan dinding besar, misalnya, mereka memahami semua berbagai ide komposisi yang dipertimbangkan seniman sebelum melaksanakan dekorasi yang sudah jadi. Dan ketika sebuah studi grafit terperinci yang cermat dikaitkan dengan sebuah lukisan dua dewa yang bertikai, para sarjana dapat melihat bagaimana sang seniman mengubah gambar-gambar studio dari para model yang disewa menjadi sebuah lukisan yang penuh dengan emosi tentang konflik tertinggi.
Beberapa gambar lansekap Old Master telah dipoles oleh para seniman sehingga mereka dapat digunakan sebagai bagian dari proposal untuk calon klien lukisan, digandakan untuk memuaskan beberapa kolektor yang masing-masing menginginkan gambar yang sama, atau disajikan sebagai hadiah kepada pelindung yang mendukung karier artis. Tetapi bahkan gambar-gambar halus ini gagal mengesankan pemiliknya sebagai karya seni yang hebat, sebagaimana dibuktikan oleh fakta bahwa para kolektor jarang mendaftarkan mereka dalam inventaris kepemilikan mereka. Bahkan ketika rumah lelang menawarkan gambar lanskap untuk dijual, mereka cenderung mengelompokkannya bersama untuk dijual lebih banyak daripada sebagai harta individu.
Bagi kita yang mencoba meningkatkan kemampuan kita sebagai seniman, ada banyak hal yang dapat dipelajari baik dari studi buangan dan gambar yang dipoles. Dan gambar-gambar lanskap seringkali merupakan potongan bukti paling menarik tentang pemikiran dan metode para Master Tua yang kita kagumi. Mereka seperti draft pertama novel, versi pidato publik yang belum diedit, atau skor simfoni yang tidak berubah. Mereka memberikan wawasan berharga yang membantu kami memperluas kemampuan kami sendiri untuk menciptakan seni.
Majalah Drawing memilih sekelompok gambar utama untuk ditinjau, dengan masing-masing menawarkan kesempatan untuk mengeksplorasi beberapa aspek penting dari kekuatan seniman. Semua direproduksi dalam buku-buku yang masih dicetak, dan beberapa saat ini dipajang di Galeri Seni Nasional, di Washington, DC.
Agostino Carracci (1557–1602): Belajar Dari Alam
Agostino Carracci, bersama dengan seorang kakak laki-laki dan sepupu, memiliki pengaruh kuat pada pengembangan gaya Barok seni abad ke-16 dan awal abad ke-17 di Italia karena gambar-gambar yang mereka jalankan dan, mungkin lebih penting lagi, karena banyak siswa yang mereka latih. Di antara pelajaran paling penting yang ditawarkan Carracci kepada seniman muda adalah nilai menggambar langsung dari alam, seperti yang ditunjukkan oleh penelitian ekspresif cepat yang dilakukan terhadap pohon-pohon yang saling bertautan ini. Seseorang hampir dapat merasakan angin mengepul melalui daun-daun yang digambar dengan serangkaian garis melengkung yang terbentang dalam pola horizontal. Dan cabang-cabang pohon diberi dimensi dengan garis-garis yang mengikuti lekukan alami bentuknya, sehingga menonjolkan permainan cahaya dan bayangan.
Pohon ca. 1590, tinta coklat, 7 7/16 x 5 11/16. Koleksi Pribadi. |
Seperti banyak seniman yang unggul dalam menggambar dengan pena bulu, Carracci menghabiskan beberapa tahun mengembangkan keterampilannya sebagai seorang printmaker. Kekuatan dan kontrol yang diperlukan untuk memanipulasi jarum etsa atau burin ukiran melayani seniman dengan baik ketika mereka memegang bulu berukir di tangan mereka dan menerapkan berbagai tekanan untuk menambah atau mengurangi lebar garis tinta. Seseorang membayangkan bahwa ketika Carracci duduk di bawah pohon dan menggambar tanpa grafit awal atau garis-garis arang, ia membimbing pena dengan mudah di sekitar bentuk daun dan cabang, meningkatkan tekanan ketika bayangan semakin dalam dan menguranginya ketika sinar matahari menyentuh sisi kiri dari batang atau daun.
Sebagian besar gambar yang dibuat pada periode ini menekankan garis over tone, sehingga tinta adalah media yang sangat tepat untuk membuat gambar. Gambar akan memiliki lebih banyak kekuatan dan keabadian dalam tinta daripada jika dilakukan dengan arang atau kapur berwarna, terutama jika gambar dibuat dalam buku sketsa yang halaman-halamannya akan saling bergesekan saat artis membawanya dari satu tempat ke tempat lain.
Karena seniman sering menyimpan buku sketsa mereka setiap saat, sering berhenti untuk membuat notasi tentang lanskap, figur, atau bangunan yang menarik perhatian mereka, ikatan yang menyatukan buku sering pecah dan harus diperbaiki dengan potongan kertas baru. atau kulit. Kadang-kadang para seniman mengikat satu set gambar yang berbeda daripada sekadar memperbaiki buku sketsa dengan halaman aslinya. Mereka mungkin ingin menyatukan semua gambar lanskap dalam satu folio untuk referensi yang lebih mudah; atau mereka mungkin ingin menghilangkan halaman-halaman yang kotor atau tidak digunakan ketika mereka menempelkan lembaran-lembaran itu dalam sebuah buku baru.
Thomas Gainsborough (1727–1788): Liberating Drawing From Painting
Dengan karya sebagian besar master, ada korespondensi langsung antara subjek dan gaya gambar dan lukisan mereka. Pelukis potret seperti John Singer Sargent membuat ratusan gambar potret arang; para ahli komposisi figuratif besar, seperti Tiepolo, menciptakan lusinan gambar tinta orang-orang yang ditemukan berputar-putar di angkasa; dan pelukis pemandangan lanskap pastoral, seperti Claude Lorrain, menggambar lanskap dengan pengaturan komposisi yang sama seperti dalam pemandangannya yang tenang, pemandangan sore hari.
Lanskap Hutan Dengan Aliran ca. pertengahan 1780-an, hitam dan putih kapur pada kertas biru-abu-abu. Koleksi Pribadi. |
Sungguh luar biasa, oleh karena itu, bahwa seorang seniman seperti Thomas Gainsborough, yang dikagumi karena potretnya tentang para bangsawan dan wanita Inggris, akan menganggap tindakan menggambar sebagai kesempatan untuk mengeksplorasi bahan-bahan baru, konsep, dan gaya ekspresi. Contoh gambar kapur eksperimental ini saat ini dipajang di Galeri Seni Nasional dalam sebuah pertunjukan berjudul "Harta Karun Swasta: Empat Berabad-abad Gambar Master Eropa." Dalam deskripsi katalog karya tersebut, Jennifer Tonkovich, kurator asosiasi menggambar dan cetakan di The Morgan Library & Museum, tempat pertunjukan itu berasal dari New York City, berkomentar bahwa “meskipun [Gainsborough] kadang-kadang membuat studi yang berkaitan dengan potret, pemandangan mendominasi di antara gambar-gambar seniman, dan ia menghasilkan ratusan sketsa sepanjang kariernya. Bekerja di atas kertas memberinya kebebasan untuk bereksperimen dengan kombinasi media yang tidak konvensional dan untuk mempelajari dan merekam alam untuk kesenangan pribadinya sendiri, yang tidak terkait dengan komisi formal.”
Tonkovich melanjutkan untuk membandingkan gambar Gainsborough ini dengan “tradisi ideal Claude Lorrain. Dia menghindari perangkat konvensional membingkai adegan dengan pohon dan membangun fokus sentral; ia juga tidak menunjukkan jejak keberadaan manusia atau hewan kecuali apa pun yang mungkin merupakan domba tunggal - yang ditarik dengan sangat singkat - di atas bukit di sebelah kiri. Gainsborough mengeksekusi lembaran itu dengan lapisan goresan kapur diagonal yang berirama yang menekankan daya dorong lanskap. Ciri-ciri bebatuan dan pepohonan yang bulat, dan pola permukaan yang berbulu, membangkitkan suasana subur, dramatis, menampilkan pemandangan sekolah romantis Inggris.”
Orang dapat dengan mudah memahami bagaimana seorang seniman yang mengabdikan sebagian besar keterampilan artistiknya untuk melayani masyarakat Inggris akan senang membuat gambar eksperimental. Kemungkinan besar, dia akan kehilangan kewarasannya jika dia tidak menemukan bantuan dari adipati dan dowagers.
Thomas Cole (1801–1848): Menambahkan Emosi pada Pengamatan
Meskipun Thomas Cole dihormati sebagai salah satu pendiri Sekolah Sungai Hudson - sekolah seni asli pertama di Amerika - lukisannya sering kali tampak terlalu sentimental, bermoralistik, dan berlebihan. Sebagai contoh, satu siklus lukisan, The Voyage of Life, menggambarkan kehidupan seorang pria dari masa kanak-kanak saat ia bepergian di sungai yang berubah dari menjadi aliran yang tenang menjadi air terjun yang berbahaya dan, akhirnya, lautan gelap yang dijaga oleh malaikat Cole menggunakan serangkaian alat yang jelas - buaian mengambang, garpu di sungai, badai gelap - untuk mengkhotbahkan konsekuensi usia, penilaian buruk, dan kurangnya kebajikan.
Pemandangan Gunung Pass Called the Notch di Pegunungan Putih 1839, minyak, 40 3/16 x 61 5/16. Koleksi Galeri Nasional Seni, Washington, DC. |
Berbeda dengan lukisannya, gambar lanskap Cole tampak seperti studi murni tentang alam. Pemeriksaan grafit linier menunjukkan sedikit bukti penemuan atau berlebihan, menunjukkan bahwa orang mungkin masih bisa menentukan dengan tepat di mana dia berdiri ketika dia menggambar lanskap di dekat studionya di sepanjang pantai barat Sungai Hudson, di Catskill, New York. Hanya ketika seseorang membandingkan gambar dengan lukisan cat minyak yang menjadi dasarnya orang tersebut dapat memahami bagaimana Cole memaksakan keyakinannya - atau sistem kepercayaan suatu negara muda yang mencoba membedakan dirinya.
Subjek dari gambar ini, Crawford's Notch di White Mountains of New Hampshire, adalah tempat longsoran tragis yang merenggut nyawa Samuel Willey, istrinya, lima anak mereka, dan dua orang yang disewa. Willey telah membangun tempat berlindung jauh dari dasar gunung tempat dia pikir dia dan keluarganya akan aman jika peristiwa seperti itu terjadi, tetapi pada 28 Agustus 1826, batu-batu yang dibelokkan menghancurkan tempat berlindung dan menyelamatkan rumah. Cole mengunjungi situs itu dua tahun setelah peristiwa itu dan kembali pada tahun 1839 untuk membuat gambar penampilan gunung, lembah, dan rumah yang tepat.
Ketika Cole kembali ke studionya untuk membuat lukisan berdasarkan gambar, ia mulai mengubah komposisi, menambahkan angka, dan menciptakan kondisi cuaca. Seorang lelaki sekarang berkuda melewati pohon mati simbolis di atas seekor kuda yang merasakan bahaya, seorang ayah dan anak-anaknya keluar dari rumah untuk menyambut pengendara, dan awan hujan menyapu puncak gunung dan memicu peristiwa tragis.
Telah dipostulatkan bahwa penambahan dan pergantian Cole disarankan, sebagian, oleh kisah fiksi Nathaniel Hawthorne tentang bencana Willey. Cerpen Hawthorne, The Ambitious Guest, mengubah bencana alam menjadi hari perhitungan bagi Willey dan putrinya, yang berharap pengunjung mereka dapat membantu mereka mencapai ambisi egois mereka. Dalam bukunya The Anatomy of Nature: Geology & American Landscape Painting, 1825–1875 (Princeton University Press, Princeton, New Jersey), Rebecca Bedell menulis bahwa “karena Cole rajin mencari asosiasi sastra dengan situs-situs yang ia lukis, sepertinya ada kemungkinan bahwa dia akan tahu kisah Hawthorne. "Bedell melanjutkan dengan referensi siklus lukisan lain oleh Cole, The Course of Empire, yang menggambarkan bahwa" adalah kebanggaan dan ambisi (di antara dosa-dosa lain) yang menyebabkan kejatuhan kekaisaran. Kisah Hawthorne menunjuk ke pelajaran yang sama, gagasan bahwa kebanggaan dan ambisi mendahului kejatuhan."
Membuat perbandingan antara gambar awal Cole dan lukisan yang dihasilkan adalah seperti mempelajari pengembangan ilustrasi sampul majalah oleh JC Leyendecker atau Norman Rockwell. Bahan baku yang melekat dalam gambar model hidup diubah untuk menceritakan kisah yang dapat dipahami dengan cepat. Gerakan, ekspresi wajah, dan posisi tubuh disesuaikan untuk menekankan episode yang paling mengungkapkan dalam cerita dan untuk meningkatkan dampak emosional dari pesan yang mendasarinya. Dalam kasus Cole, gerakan manusia, bentuk alami, dan kondisi cuaca adalah elemen yang digunakan untuk meningkatkan rasa drama.
William Stanley Haseltine (1835–1900): Berfokus pada Significant & Salable Views
Meskipun semua seniman lebih suka menggambar dan melukis subjek yang menarik minat mereka, mereka yang bertujuan untuk menjual gambar lanskap harus berurusan dengan beberapa harapan bersama di antara calon pembeli. Salah satunya adalah bahwa kolektor lebih memilih lanskap dengan sejarah, geologi, lingkungan, atau kepentingan pribadi; dan yang lainnya adalah bahwa individu kaya cenderung tertarik pada lokasi eksklusif yang sama. Itu benar di abad ke-19 ketika Thomas Moran dan James Abbott McNeill Whistler menjual ratusan cetakan, gambar, dan lukisan kota favorit semua orang, Venesia, Italia; dan memang benar hari ini ketika para seniman menjual foto-foto komunitas kaya seperti Palm Beach, Santa Fe, dan Carmel by the Sea. Jalan-jalan belakang Podunk mungkin memesona para pelukis, tetapi tidak mungkin para kolektor akan berbagi antusiasme mereka untuk penampilan berpasir kota yang tidak signifikan.
Batu di Nahant ca. 1864, grafit dan cat air, 14¼ x 20. Koleksi Museum of Fine Seni, Boston, Boston, Massachusetts. |
Bukan kebetulan bahwa Haseltine menciptakan lusinan gambar terperinci dari formasi batuan di sepanjang garis pantai di Nahant, Massachusetts, lubang berair musim panas yang modis untuk warga Boston kaya yang memiliki signifikansi geologis. Kemungkinan besar, Haseltine menemukan garis pantai saat kuliah di Universitas Harvard, tempat ia menjadi anggota Masyarakat Sejarah Alam Harvard. Louis Agassiz adalah seorang dosen di perguruan tinggi yang sering membawa murid-murid sejarah alamnya ke Nahant untuk menunjukkan kepada mereka batu-batuan es vulkanik yang dipoles dan dicukur es yang dianggap sebagai yang tertua di bumi.
Garis pantai tertentu terbukti menjadi subjek yang sempurna untuk gambar dan lukisan minyak Haseltine yang tepat karena ia percaya “segala sesuatu di alam layak untuk dilukis, asalkan orang telah menemukan artinya. Gambar itu kemudian akan menceritakan kisahnya sendiri.”Begitu banyak kolektor seni yang kaya tertarik pada kisah yang diceritakan dalam gambar-gambar Hasantine tentang Nahant sehingga dia hampir tidak bisa mengimbangi permintaan mereka.
Haseltine menggunakan bahan gambar dan teknik yang biasa digunakan oleh seniman selama ratusan tahun. Dia mengerjakan kertas biru atau abu-abu dengan grafit atau arang gelap, dan kemudian dia menambahkan highlight dengan kapur putih. Dia dapat secara efektif mengembangkan tiga nilai terpisah dengan hanya dua bahan gambar. Meskipun gambar-gambar Haseltine pada umumnya terawetkan dengan baik, banyak gambar lain seperti itu pada kertas berwarna telah memburuk. Cukup sering kertas-kertas ini diwarnai dengan warna buram yang memudar atau berubah seiring waktu, atau tinta yang digunakan untuk gambar terbukti tidak stabil dan gambar kehilangan kontras. Yang paling terpelihara dari gambar-gambar ini cenderung yang di mana sang seniman pertama kali mengencangkan permukaan dengan tingkat profesional cat air, kasein, atau guas, kemudian menerapkan tanda-tanda gelap dan terang di atas warna-warna midtone tersebut. Warna yang paling populer adalah biru, cokelat, abu-abu, dan hijau. Saat ini ada sejumlah arsip, kertas kencang yang tersedia bagi seniman untuk digunakan untuk menggambar lanskap, beberapa diikat bersama dalam buku sketsa yang menawarkan lembaran tiga atau empat pilihan warna berbeda. Misalnya, Fabriano membuat Jurnal Artis Fabriano Quadrato dan Jurnal Artis dengan sebanyak 12 kertas berbeda yang diletakkan yang ideal untuk menggambar lanskap warna; dan Legion membuat kertas Stonehenge yang serba guna dalam beberapa warna halus yang sempurna untuk menggambar tonal dalam grafit, arang, atau kapur.
Daniel Garber (1880–1958): Menafsirkan Foto
Seniman kelahiran Indiana, Daniel Garber, menyelesaikan pendidikannya di Cincinnati Art Academy dan Akademi Seni Rupa Pennsylvania, di Philadelphia, pada saat yang sangat penting dalam sejarah seni Amerika. Pelukis sangat dipengaruhi oleh Impresionis Prancis yang mereka temui saat belajar di Eropa atau yang fotonya diambil oleh kolektor Amerika; dan mereka terpesona dengan kemungkinan yang ditawarkan fotografi kepada mereka.
Tambang ca. 1917, arang, 16 x 20. Koleksi Akademi Seni Rupa Pennsylvania, Philadelphia, Pennsylvania. Hadiah dari artis. |
Tambang 1917, minyak, 50 x 60. Koleksi Akademi Seni Rupa Pennsylvania, Philadelphia, Pennsylvania. Dana Joseph E. Temple. |
Garber menanggapi kedua kekuatan ini, dan ia mengembangkan metode yang menarik untuk menggunakan foto-fotonya sebagai sumber gambar tonal yang sangat bertekstur yang sesuai dengan estetika Impresionis. Pertama, ia cenderung mengerjakan kertas yang relatif tipis, berukuran besar, dan memiliki tenunan linier yang khas. Kertas yang diletakkan seperti Fabriano Roma jauh lebih kecil kemungkinannya untuk meniru nada kontinu dalam foto daripada kertas yang lembut, seperti cetakan seperti Legion Stonehenge atau Rives BFK. Selembar kertas yang diletakkan - yang lebih sering dikaitkan dengan menulis alat tulis - paling cocok untuk menggambar dengan nada halus daripada yang membutuhkan bagian gelap yang dalam dan banyak dikerjakan.
Seniman itu juga menangani alat lukisnya sedemikian rupa sehingga meninggalkan bercak-bercak warna, bukannya bentuk-bentuk yang padat dan keras. Garber mungkin telah melihat foto untuk memahami hubungan spasial dalam adegan, tetapi ia menafsirkan hubungan tersebut saat ia mengembangkan gambarnya. Hal yang sama dapat dikatakan tentang metode yang digunakan Monet untuk menangkap tampilan taman atau tumpukan jerami. Orang Prancis itu mengaplikasikan potongan-potongan cat terpisah yang menyatu jika dilihat dari kejauhan.
Gambar khusus tambang ini adalah sumber dari salah satu lukisan minyak Garber, dan subjeknya muncul lagi di beberapa lukisannya. Tambang itu memberinya kesempatan untuk mempelajari efek cahaya pada ceruk yang dalam, gunung berapi, dan badan air reflektif. Menariknya, seniman lain tertarik pada tambang sebagai subjek lukisan mereka, mungkin karena lokasi menawarkan berbagai bentuk lanskap di satu area kecil, dan karena mereka memberikan tingkat privasi yang tidak dapat ditemukan di sepanjang pantai lautan atau danau umum.