Sebagai satu studi menggambar, akan sangat berguna untuk belajar dari master yang datang sebelumnya untuk mendapatkan inspirasi dan menemukan cara untuk mendekati tantangan yang muncul. Bagi mereka yang menemukan gambar, ada beberapa juru gambar yang dapat dipelajari.
oleh Naomi Ekperigin
Potret Madame d'Haussonville oleh Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1842, grafit, 9 3/16 x 7¾. Koleksi Museum Seni Fogg di Universitas Harvard, Cambridge, Massachusetts. |
"Saya percaya menggambar adalah dasar dari semua seni, " kata seniman Mary Reilly. Dia tidak sendirian dalam sentimen ini. Banyak seniman percaya bahwa keterampilan menggambar sangat penting untuk bekerja di media apa pun, bahkan jika menggambar bukanlah minat utama seseorang. Sejak awal ada seniman yang menghargai gambar sebagai karya yang selesai dengan hak mereka sendiri. Seniman-seniman ini semakin meningkatkan medium dan menunjukkan luasnya peluang yang tersedia bagi mereka yang ingin mengeksplorasi menggambar lebih jauh.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Pelukis Neoklasik Prancis Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867) adalah seorang juru gambar yang lahir. Sejak usia dini, ayahnya mengembangkan keterampilannya dalam menggambar, dan pada 17 Ingres pergi ke Paris untuk belajar di bawah Jacques-Louis David, yang merupakan "tsar seni" resmi Napoleon selama Revolusi Prancis. Meskipun sangat dipengaruhi oleh pelukis Renaisans Raphael, dan seorang pelukis berbakat sendiri, itu adalah gambar dan potret Ingres yang paling dikenalnya.
Ingres pindah ke Italia pada 1808 setelah memenangkan Grand Prix de Rome, beasiswa seni terbaik Prancis. Di sana, ia mengasah keahliannya, terinspirasi oleh karya Old Masters. Untuk menghidupi dirinya dan istrinya, ia menerima komisi pengecatan dari negara bagian dan menyelesaikan ratusan potret grafit untuk para turis, pejabat tinggi yang bepergian, dan para imigran kaya. Potret-potret kecil ini adalah "karya seni hebat, menangkap keajaiban bakat, fitur, pose, kostum, suasana, dan karakter, " tulis sejarawan seni Stephen Longstreet. “Orang-orang itu nyata. Mereka bernafas dan hidup dengan kokoh di bumi.”
Lembar Studi Wanita untuk Mandi Turki oleh Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1830, pena, tinta cokelat, dan grafit pada dua lembar yang tergabung, 6¾ x 4¾. Koleksi Louvre, Paris, Prancis. |
Kemampuan untuk menangkap kenyataan adalah karena keterampilan teknis dan keakraban dengan anatomi. Dengan pengetahuan bawaan tentang bentuk manusia, seniman dapat dengan benar membuat gorden dengan cara yang mengikuti bentuk tubuh dalam setiap lipatan dan lipatan. Kemampuan seniman untuk menangkap rupa berasal dari pengabdiannya pada ketelitian, yang ia kembangkan melalui menggambar. Ingres adalah laci kompulsif, mendesak siswa untuk menggambar dengan mata mereka ketika mereka tidak dapat melakukannya dengan pensil. Untuk lukisan potret dan muralnya, ia terkadang membuat ratusan gambar persiapan. Dia tampaknya menemukan langkah proses ini lebih memuaskan daripada lukisan mural yang sebenarnya, yang kadang-kadang ditinggalkannya. “Tahapannya adalah: belajar dari kehidupan, merenggut kebenaran dari pengalaman, mengkuadratkan, memperbesar, mengangkut ke kanvas, kembali, jika perlu ke model untuk detail ini atau itu,” tulis Avigdor Arikha di JAD Ingres: Lima Puluh Gambar Kehidupan Dari Musée Ingres di Montauban, katalog untuk pameran di Museum Seni Rupa, Houston. "Meminta sarung tangan Count de Pastoret atau kembali ke lengan kiri Nyonya Moitessier, menggambarnya seukuran sehingga dapat memindahkannya langsung ke kanvas, kembali ke sana lagi dan lagi. Inilah saat Ingres macet. Itu adalah proses yang terlalu rumit - hampir obsesif - yang tujuannya adalah untuk lebih dekat dengan kebenaran masalah ini."
Artis dari semua tingkatan dapat belajar dari perhatian Ingres terhadap detail. Etos kerjanya sangat mengagumkan, dan ia menciptakan gambar-gambar yang secara teknis menyenangkan dan secara emosional bergaung. “Dari semua master yang saya pelajari, saya paling menikmati pekerjaan Ingres,” kata Reilly. “Bahan pilihan Ingres adalah pensil grafit tajam dan kertas putih halus. Dia percaya bahwa warna tidak lebih dari sekadar aksesori untuk menggambar. Baginya, menggambar bukan hanya garis. Itu adalah ekspresi, bentuk batin, komposisi, dan pemodelan.”Pandangan inilah yang memengaruhi seni modern abad ke-20 dan generasi seniman dari Degas ke Dinnerstein.
Wanita Telanjang Duduk oleh Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Koleksi Metropolitan Museum Seni, New York, New York. |
Pierre-Paul Prud'hon
Seperti Ingres, Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823) diakui sebagai pelukis, tetapi menggambar adalah fondasi untuk karyanya. Dikenal di zamannya karena lukisan-lukisan alegoris dan mitologisnya, sekarang gambar-gambarnya yang menginspirasi dan mengejutkan para penonton. Sebagai seorang siswa seni di Akademi Dijon pada awal 1780-an, Prud'hon mengabdikan dirinya pada pelatihan keras dalam menggambar yang dianggap perlu bagi semua orang yang berharap untuk karier yang sukses sebagai seorang seniman. Académies - studi gambar yang diambil dari model langsung - adalah cara para siswa mengasah keterampilan mereka, menyelesaikan ratusan gambar ini pada saat mereka siap untuk mengejar profesi mereka. Prosesnya memakan waktu bertahun-tahun dan menyingkirkan sejumlah calon, baik karena kurangnya dedikasi atau bakat. Meskipun pelatihan yang keras dan panjang ini mungkin tampak rumit bagi siswa saat ini, gambar-gambar ini sangat penting bagi para seniman, banyak dari mereka yang membuat studi ini sepanjang karier mereka untuk ide dan praktik.
Académie dari Pria Duduk oleh Pierre-Paul Prud'hon, kapur hitam dan putih di atas kertas biru, 14 9/17 x 10 ?. Koleksi Museum Baron Martin, Gray, Perancis. |
Prud'hon adalah salah satu seniman seperti itu, dan lebih dari sezamannya, ia berpegang erat pada para akademisi sepanjang kariernya. Yang lebih penting, mungkin, adalah bahwa Prud'hon lebih memilih gambar-gambar ini daripada lukisan-lukisan yang sudah selesai, bahkan ketika karirnya semakin maju. Pada 1788, seniman telah mengembangkan gaya tanda tangan tokoh-tokoh yang digambar dengan kapur berwarna di atas kertas berwarna. Gambar-gambar tersebut sering dibangun dalam beberapa lapisan, termasuk bagian penetasan dan toning dan tunggul yang lebar. Dengan memadukan garis, nada, dan berbagai teknik, Prud'hon menghadiahkan kepada para seniman berbagai kemungkinan kapur dan kertas yang ekspresif. "Penelitian Prud'hon menyampaikan rasa emosi yang kuat, " kata Reilly. "Bekasnya tampak longgar dan bebas, tetapi ditempatkan dengan sempurna." Seniman sependapat Kenneth Procter, "Prud'hon menyelesaikan beberapa gambar di mana inti bayangan berjalan seperti garis di sepanjang pose, memperlihatkan setiap nuansa otot -Itu benar-benar menakjubkan.”Dengan pengetahuannya tentang tubuh manusia yang sudah berurat berakar, ia dapat fokus pada subjeknya dan mengilhami dirinya dengan kehidupan, menandai dengan cepat dan segera menanggapi pikirannya sendiri tanpa khawatir tentang anatomi atau kelambanan.
Pada usia dini, Prud'hon menambahkan "Paul" ke namanya, untuk menghormati pelukis Flemish, Peter Paul Rubens (1577–1640), yang juga seorang juru gambar utama. Prud'hon berbagi kecintaan seniman pada sosok manusia dan pengetahuan mendalam tentang anatomi, tetapi di situlah kesamaan mereka berakhir. Rubens adalah pendukung gaya Barok, dikenal karena penekanannya pada warna, detail mewah, dan gerakan dinamis. Prud'hon, di sisi lain, menanggalkan gerak dramatis dan fokus pada cara cahaya bergerak melintasi bentuk. Namun, apa yang Prud'hon pelajari dari pendahulunya adalah pentingnya menciptakan karya baru, terlepas dari gaya. Rubens adalah salah satu seniman paling produktif dan beragam pada masanya, dengan output yang mencakup altarpieces, lukisan sejarah, potret, dan lanskap, serta ilustrasi buku dan desain arsitektur.
Asumsi Perawan oleh Peter Paul Rubens, ca. 1612, tinta coklat dan mencuci cokelat, warna tubuh putih, dan kapur hitam pada cokelat kertas, 11? x 9 ?. Koleksi Albertina Museum Wina, Austria. |
Duduk Wanita Muda Dengan Lengan Diangkat oleh Peter Paul Rubens, 1631–1632, kapur hitam dan merah dengan putih mempertinggi, 16 x 19 11/16. Koleksi Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett, Berlin, Jerman. |
Peter Paul Rubens
Selain itu, sang seniman menghasilkan ratusan gambar, yang memainkan berbagai peran pendukung dalam karyanya sejak awal karirnya. Sebagai seorang seniman muda, ia menghabiskan banyak waktunya menyalin karya-karya besar; kepindahan ke Italia pada tahun 1600 mengalihkan pokok bahasannya ke karya para master Renaissance. Tujuan menggambar karya Titian, Michelangelo, dan Raphael bukan hanya untuk belajar. Seperti yang dicatat oleh instruktur-seniman John A. Parks, “Itu sebenarnya merupakan upaya untuk menjarah ikonografi dan komposisi yang tersedia sehingga ia dapat mengumpulkan perpustakaan citra pribadi untuk digunakan nanti. Apa yang paling dihargai sang seniman dalam gambar-gambar ini bukanlah kaligrafi atau kualitas render pribadi mereka, tetapi hanya informasi desainnya.”
Rubens menggunakan perpustakaan gambar ini untuk dijadikan inspirasi bagi altarpieces besar yang ditugaskan padanya untuk membuatnya. Dia akan memulai karya besar ini dengan gambar awal dengan kapur hitam atau coklat, kemudian dia akan membuat sketsa minyak. Setelah ini, sang seniman kembali menggambar, membuat potongan-potongan yang lebih besar dari model hidup menggunakan kapur hitam. Gambar yang lebih besar ini memungkinkannya untuk memasukkan lebih banyak detail dan akurasi anatomi, dan menanamkan subjeknya dengan semangat yang dibanggakan oleh para seniman Barok.
Meskipun Rubens mungkin tidak terlalu memikirkan lukisannya, seniman saat ini dapat memperoleh banyak dari karya-karya persiapannya. Gambarnya berfungsi untuk memperkaya lukisannya dan membantunya dalam setiap tahap proses. Ketika dia akhirnya menaruh minyak ke kanvas, dia memiliki visi yang jelas dan yakin bagaimana cara mengeksekusinya. Melalui menggambar, Rubens memperluas kosakata visualnya, memungkinkannya untuk membuat ratusan karya brilian.
Wanita dengan Anak Mati oleh Käthe Kollwitz, 1903, etsa. Koleksi Galeri Nasional Indonesia Seni, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
Pelukis, pembuat grafis, dan pematung asal Jerman Käthe Kollwitz (1867–1945), mungkin lebih dikenal karena subjeknya daripada keahliannya. Etsa, litograf, dan gambarnya terutama dari orang-orang kelas pekerja yang dia lihat di sekelilingnya, dan dia memberi pemirsa kisah-kisah bergerak tentang penderitaan dan perjuangan manusia. Hubungan emosionalnya yang dalam dengan subyeknya memungkinkannya untuk menciptakan seni yang masih beresonansi dengan audiens saat ini, dan dapat menginspirasi seniman yang ingin menangani masalah pribadi dan / atau politik. "Saya diambil oleh karya awal Kollwitz dan kedalaman bentuk yang dia dapatkan dari pekerjaannya yang berlebihan, " kata seniman dan instruktur Dan Gheno. “Saya juga menghargai kekuatan emosional dalam pekerjaannya. Dia mengajari saya bahwa saya bisa melangkah lebih jauh dari bentuk permukaan jika saya melihat ke dalam diri saya sendiri.”
Potret diri oleh Käthe Kollwitz, 1924, litograf. |
Kollwitz sering bekerja dalam siklus, menangani topik pemberontakan dan perubahan sejarah. Seri pertama dari seri ini adalah The Weavers, yang terdiri dari tiga litograf dan tiga etsa berdasarkan dramawan Jerman, dramatisasi Gerhart Hauptmann tentang pemberontakan yang gagal pada tahun 1842. Karya-karya Kollwitz bukanlah ilustrasi harfiah dari fakta sejarah atau adaptasi Hauptmann; sebaliknya, dia fokus pada kesengsaraan, harapan, dan ketabahan para pekerja. Ketika karya-karya ini dipamerkan ke publik pada tahun 1898, sang seniman mendapat banyak pujian, dan itu masih merupakan salah satu proyeknya yang paling terkenal. Ini kemudian diikuti oleh seri nya Peasants 'War (1902-1908), berdasarkan pemberontakan petani Jerman 1522-1525. Pada saat seri ini, artis dianggap sebagai salah satu seniman grafis Jerman paling penting pada masanya.
Selain memvariasikan materi pelajarannya, Kollwitz mengeksplorasi berbagai teknik dalam seni grafis dengan seri-seri ini, termasuk etsa-foto, intaglio, dan pencetakan litograf warna. Pada saat ini, ia menyederhanakan pekerjaannya, meninggalkan pendekatan realisnya yang sangat terperinci dan mendukung narasi emosi. Komitmen terhadap tema humanis dan koneksi emosional inilah yang membantu membedakan pekerjaan Kollwitz.
Potret Igor Stravinsky oleh Pablo Picasso, 1920, grafit, Koleksi Museum Picasso, Paris, Prancis. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881–1973) adalah seorang seniman terkenal internasional, seorang yang tinggal di Eropa selama masa-masa yang penuh gejolak dan menggunakan karya seninya untuk menafsirkan perubahan yang cepat, dan, kadang-kadang keras, yang terjadi di sekelilingnya. Sementara sang seniman menyelesaikan ratusan lukisan yang terkenal, gambarnya adalah inti dari karyanya. “Inti dari evolusi Picasso sebagai seniman dan ikon terletak pada keahliannya - di situlah eksperimen dan terobosan visualnya dihasilkan,” kata seniman dan guru Lisa Dinhofer. Sebagai seorang seniman dengan pengetahuan mendalam tentang dasar-dasar dan pelatihan akademis yang luas, Picasso mampu mendekonstruksi subjek, menjadikannya dalam garis paling sedikit yang diperlukan, dan sampai pada intinya. "Dibutuhkan pengetahuan terperinci dari seorang juru gambar utama untuk menggambarkan objek dalam bentuknya yang paling sederhana, " kata Dinhofer. "Tidak dengan tanda Conté yang melunak, tidak dengan penumpukan lintas-silang untuk volume, tidak dalam corak grafit berlapis untuk memodelkan suatu area, tetapi garis langsung yang menyampaikan semua bentuk dan ruang."
Nusch Eluard oleh Pablo Picasso, 1938, arang dan grafit di atas kanvas. |
Garis kerja Picasso menunjukkan bentuk bagian dalam dan luar subjeknya, dan ia dapat mengisi bidang gambar dengan menghapus detail volumetrik. Ini dapat dilihat dalam potret seperti Max Jacob, Portrait of Erik Satie, dan Helena Rubenstein. Melihat eksperimennya dengan garis dan bentuk, seniman dapat memahami bagaimana Picasso memaksa pemirsa untuk melihat objek dengan cara baru, dan masih mendorong batasan kita hingga hari ini. Karya besarnya Guernica, yang diciptakan pada tahun 1937, mewujudkan teori dan eksperimen eksperimentasi yang berubah dengan garis. Seperti yang dikatakan Dinhofer, “Komposisi ini hanya didasarkan pada penjajaran ruang dan garis. Interior dan lanskap yang digambarkan rata, mendorong setiap gambar ke latar depan. Hasilnya adalah serangan yang sangat kuat … dilakukan dengan garis tebal, tidak terputus, bentuk cut-out, dan bidang gambar terkompresi."